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Los 10 nejores consejos fotograficos y el 10 te sorprendera

RicardoCaballero — Thu, 25 Apr 2019 23:27:46 +0000

La fotografía digital consiste en la obtención de imágenes mediante una cámara oscura, de forma similar a la fotografía química. Sin embargo, así como en esta última las imágenes quedan grabadas sobre una película fotosensible y se revelan posteriormente mediante un proceso químico, en la fotografía digital las imágenes son capturadas por un sensor de imagen que dispone de múltiples unidades fotosensibles, las cuales aprovechan el efecto fotoeléctrico para convertir la luz en una señal eléctrica, la cual es digitalizada y almacenada en una memoria.

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Esquemas de iluminación

RicardoCaballero — Wed, 04 Jan 2017 05:17:52 +0000

Tipos de iluminación en retrato

Existen cinco tipos básicos de iluminación en retratos, vamos a verlos uno por uno y cómo conseguirlos.

Rembrandt Light: si observas la imagen, es un retrato en el que una parte del rostro está más iluminada que la otra y en la parte más oscura aparece un pequeño triángulo de luz.

Para conseguir este efecto debes poner el flash en un ángulo de 45º respecto a la cámara y en el lado opuesto puedes poner un reflector.

Split Light: Para lograr un efecto mucho más dramático, puedes utilizar este tipo de iluminación. En este caso, un lado del rostro queda totalmente oscurecido. Para ello, coloca la fuente de luz (un flash o la luz de una ventana) en el perfil que desees iluminar y a 90º de la cámara. Mira este ejemplo.

Broad Light: Si lo que buscas es un retrato que provoque una mezcla de belleza e intriga puedes utilizar este tipo de iluminación intermedia entre los dos anteriores. Como puedes ver en el esquema, se consigue situando la fuente de luz a 45º de la cámara, igual que en el primer caso, pero el sujeto se gira otros 45º en dirección contraria.

Butterfly Light: se llama así por la sombra que se crea bajo la nariz con forma de mariposa al situarse la fuente de luz en un ángulo de 45º sobre la cámara, recibiendo el modelo la luz desde arriba.

Loop Light: es un modo de iluminación intermedio entre el Rembrandt y el Butterfly. Su resultado es parecido a este último pero las sombras se deplazan ligeramente hacia el lado contrario a la fuente de luz. En este caso veremos un ejemplo con luz natural, fuente mucho más difícil de controlar pero con la que se pueden obtener excelentes resultados si aprendemos a manejarla.

Si observas la luz, podrás adivinar que la fuente está a 45º, tanto en el plano vertical como en el horizontal, respecto a la cámara.

Estos son los cinco esquemas más conocidos o utilizados, pero el creativo eres tú, puedes jugar con la luz como quieras para obtener tus propios resultados. Haz pruebas, mueve al modelo, la luz, experimenta con la luz natural y con la luz artificial, aprende de los consejos y de los errores. No hay nada mejor que aprender de estos últimos porque serán los que mejor recordarás y de los que antes aprenderás.

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Los Angulos

RicardoCaballero — Wed, 04 Jan 2017 05:16:41 +0000

Cuando hablamos de ángulos en fotografía, nos estamos refiriendo a algo en particular, no al sentido más grande que puede llegar a tener la palabra.

Para poder definir al ángulo tenemos que plantear una línea imaginaria en la que se ubica nuestro punto de vista. El ángulo de la fotografía será la inclinación con respecto al suelo donde nos encontremos nosotros.

Existen diferentes ángulos en fotografía que sirven para diferentes ocasiones, que ampliaremos a continuación.

Ángulo Normal

Definición: El nombre de este ángulo básicamente nos indica de qué se trata. Cuando fotografiamos en ángulo normal, nos encontraremos al mismo nivel que el sujeto. Por ende, se trata de uno de los más naturales y más usados en fotografía, nos encontramos en una línea paralela al suelo, que coincide con la línea imaginaria que nos planteamos. Estamos mirando a nuestro sujeto a los “ojos”.

Cuándo usarlo: Como dijimos, el ángulo normal brinda una sensación más natural a la fotografía, pero además, brinda una cierta estabilidad de la toma, donde no hay una lucha de poder sino que hay tranquilidad, estamos al mismo nivel que el sujeto entonces no estamos “tratando” de decir nada, estamos haciendo una toma relativamente objetiva, si queremos pensarlo así.

Ángulo Picado

Definición: El ángulo picado se realiza cuando hacemos la toma desde un ángulo más elevado, desde una posición más alta que la del sujeto. Con dicha perspectiva, logramos que el sujeto u objeto aparezca más pequeño, y por ende, disminuido.

Cuándo usarlo: En este caso, como adelantamos, podemos lograr crear un efecto de disminución o de poderío, en el caso de quien está fotografiando o mirando la fotografía. Si con el normal tenemos una sensación de equilibrio, con el contrapicado estamos en un desequilibrio intencional. Es un recurso compositivo muy importante, no solamente en los retratos, sino también en la fotografía de paisajes donde podemos lograr una profundidad de campo más importante.

Ángulo Contrapicado

Definición: Es el ángulo “contrario” al picado, donde nos ubicamos en una posición más baja a la línea imaginaria, colocamos la cámara en un plano por debajo de nuestro sujeto. Como en el ángulo picado, nos encontramos con un efecto inverso, dado que genera que haya una sensación de grandeza no sólo de la persona sino también del paisaje.

Cuándo usarlo: Visualmente, gracias al ángulo contrapicado nos encontramos con un objeto más grande, que hace que la persona que haya tomado la foto o quien la esté mirando se sientan disminuido. También propone un desequilibrio entre las dos partes, generando una sensación de superioridad de la persona que estamos fotografiando, lo que hace que sea un ángulo ideal para fotografiar personajes importantes.

Ángulo Cenital

Definición: El ángulo cenital es una especie de ángulo picado en esteroides, donde nos ubicamos directamente en una posición vertical mirando por debajo al sujeto. Nos estaremos ubicando en un ángulo completamente perpendicular a nuestro objeto, mirándolo desde arriba. Como resultado, obtendremos una imagen sin perspectiva.

Cuándo usarlo: El ángulo cenital no es demasiado usado no solamente porque presenta una complicación adicional a la fotografía tradicional, pero es un recurso estético interesante por ejemplo en la fotografía deportiva, y también es importante para generar una especie de vértigo en la fotografía arquitectónica, donde nos ubicamos en el borde de un edificio y miramos hacia abajo.

Ángulo Nadir

Definición: Este ángulo es el opuesto al cenital, y se logra poniendo la cámara para crear una línea recta con la parte inferior del sujeto a fotografiar. En el caso de una persona, se pone a sus pies mirando hacia arriba. En la base de los edificios es lo mismo.

Cuándo usarlo: este ángulo no es demasiado favorecedor para las personas, y es más usado en la fotografía arquitectónica. Sin embargo, el resultado es siempre el mismo: exacerbamos la sensación de grandeza que encontramos en el ángulo contrapicado.

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Los planos

RicardoCaballero — Wed, 04 Jan 2017 05:15:55 +0000

El término ‘plano‘ es ampliamente usado en cine, y en fotografía obviamente, generalmente se habla de planos abiertos o cerrados, para indicar que estamos modificando de algún modo la distancia focal. El concepto de plano está estrechamente relacionado con el retrato fotográfico aunque en algunos casos es extrapolable a otras situaciones o sujetos. Veamos:

Plano general: Se usa para visualizar completamente a nuestro modelo y abarca todo los elementos de una escena, es decir, que aparece todo el cuerpo de pies a cabeza, sin ningún tipo de recorte.

Plano americano: También conocido como plano tres cuartos, tiene su origen en las películas dewestern americanas, que se caracterizaban por sus encuadres por debajo de la cadera hasta las rodillas. Es muy útil cuando se quiere retratar a varias personas.

Plano medio: En este se muestra al modelo desde la cabeza hasta la cintura, y también se puede emplear para fotografiar a varias personas interactuando. Se emplea con regularidad en la fotografía de moda ya que permite destacar la belleza de la persona.

Plano medio corto: Se le puede conseguir con otros nombres como plano pecho o plano busto, aunque en lo personal me parece más profesional llamarlo plano medio corto, y consiste sencillamente en mostrar a la persona desde la cabeza hasta la mitad del pecho. La idea de este tipo de plano es enfocar la atención exclusivamente en la persona aislándola de su entorno.

Primer plano: Se emplea generalmente para destacar la mirada o el gesto de una persona, y el encuadre va desde la cabeza hasta los hombros. Es el más indicado para el retrato del rostro, ya que, destaca los detalles. Suelen usarse encuadres verticales, aunque esto no es una regla estricta.

Primerísimo primer plano: Este tipo de plano es mucho más agresivo e íntimo que los anteriores. Se logra encuadrando desde la cabeza (cortando por el medio o por encima de la frente) hasta la punta del mentón. Hay que cuidar mucho los detalles en este tipo de plano, controlar el enfoque y la profundidad de campo es primordial, de lo contrario se puede estropear la captura.

Plano detalle: Se emplea para destacar elementos específicos, con este tipo de plano se pueden lograr encuadres creativos y originales, requiere de mucha capacidad de observación por parte del fotógrafo. En este tipo de plano el acercamiento se maximiza para enfatizar ciertos elementos que de otra manera podrían pasar desapercibidos. No se debe confundir con fotografía macro.

Existen otras clasificaciones que varían ligeramente de acuerdo a los autores, pero básicamente en fotografía de retrato son las mencionadas anteriormente, algunas con ciertas variaciones.

Y para resumir:

Plano general: Cuerpo completo.

Plano americano: Hasta las rodillas.

Plano medio: Hasta la cintura.

Plano medio corto: Hasta el pecho.

Primer plano: Hasta los hombros.

Primerísimo primer plano: Solo el rostro.

Plano detalle: Un elemento aislado.

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Regla de tercios o puntos de oro

RicardoCaballero — Wed, 04 Jan 2017 05:14:23 +0000

En las artes visuales como la fotografía y diseño, la regla de los tercios es una forma de composición para ordenar objetos dentro de la imagen. Esta regla divide una imagen en nueve partes iguales, utilizando dos líneas imaginarias paralelas y equiespaciadas de forma horizontal y dos más de las mismas características de forma vertical, y recomienda utilizar los puntos de intersección de estas líneas para distribuir los objetos de la escena. La regla de los tercios se usa con frecuencia en todo tipo de escenas como retratos, o bodegones

Puntos de intersección

Los pintores suelen utilizar los cuatro puntos de intersección para ubicar en ellos el centro de atención de la composición y así crear una imagen estéticamente agradable y equilibrada. Normalmente el punto de atención o el sujeto principal se coloca en cualquiera de los cuatro puntos y si existiese un segundo punto de atención, éste se ubicaría al lado opuesto diagonalmente, es decir, el punto opuesto.

Ley del horizonte

Una interpretación de la Regla de los Tercios es la ley del horizonte si se trabaja con paisajes. En lo que se refiere a esta ley, se dice que hay que ubicar el horizonte en la línea inferior, a 1/3 para darle prioridad al cielo o en la línea horizontal superior, a 2/3 para darle prioridad a la tierra. Esta regla es de aplicación tanto en fotografías apaisadas (horizontales) como verticales.

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Ténicas de composición

RicardoCaballero — Wed, 04 Jan 2017 05:12:50 +0000

¿Cual es la diferencia entre una buena y una mala fotografía? Asumiendo que los colores han salido correctamente al imprimirla y la exposición y el enfoque son correctos, existen una serie de elementos sobre los que los fotógrafos hablan continuamente al evaluar una foto, que son las “reglas de composición”.

1. Identifica el centro de interés

Cada fotografía tiene (o debería tener) un centro de interés. ¿De qué es la foto? ¿Es una fotografía de tu novia? ¿Es una fotografía de las pirámides de Egipto?Debería ser obvio para cualquiera que mire una fotografía saber de qué es la foto. Es lo que se denomina el centro de interés.

Aunque se denomine centro, el centro de interés no tiene que ser necesariamente el objeto que esté en en el centro de la foto ni ser el objeto que ocupa la mayor parte de la imagen.

Es la primera regla de una buena composición, ya que es la más importante. Simplemente decide antes de disparar el motivo sobre el que quieres tomar la fotografía. Todo lo que hay que hacer a partir de ahí es enfocar el elemento sobre el que queremos centrar el interés.

2. Rellena el encuadre (Fill the frame)

Esta regla puede parecer bastante obvia, pero lo cierto es que muchas veces fallamos al aplicarla. Si queremos contar algo en una foto, ocupemos la mayor parte con ese “algo”, asegurándonos que se convierte de este modo en el centro de atención. Además, de este modo eliminamos posibles elementos que resten atención.

Es un fallo demasiado común el querer sacar demasiadas cosas en una única foto. Al final, lo que conseguimos es que no quede demasiado claro qué es lo que queríamos enseñar. Ante la duda de si algo debe salir o no en la foto, quitalo.

3. Apóyate en las líneas

Las líneas son un elemento de importancia vital en las artes visuales. Las líneas nos aportan formas y contornos. Con las líneas dirigimos la mirada del espectador de una parte de la foto a otra.

Cuando vayas avanzando en el mundo de la fotografía podrás comprobar cómo las líneas son uno de los elementos más eficaces a la hora de dirigir la mirada de quien contempla nuestras fotos hacia donde queremos que mire. Las líneas horizontales, verticales y diagonales son elementos compositivos que aportan significado a las imágenes.

Un tipo especial de líneas son las líneas convergentes. Son las líneas paralelas que, por el efecto de la distancia, acaban convergiendo en un mismo punto.

4. Trabaja el flujo

Después de las líneas, podemos tratar el flujo. El flujo es el modo en el que la mirada del espectador se desplaza de una parte de la fotografía a otra. Una manera de definir el flujo de una fotografía es mediante el uso de líneas. Pueden ser horizontales, verticales, diagonales, convergentes o divergentes. A veces el flujo creado por las líneas es nítido y claro, como los laterales de un edificio que convergen hacia el cielo), o pueden ser menos obvias. Sin embargo, la mirada del espectador debería ser capaz de recorrer los elementos de una parte a otra de la imagen.

El flujo crea la ilusión de movimiento (o ausencia de movimiento si se desea). Las líneas diagonales se consideran generalmente más “dinámicas”, mientras que las líneas horizontales y verticales se consideran más “estáticas”. Un equilibrio cuidadoso de elementos estáticos y dinámicos dará un sentido global de movimiento a tus fotografías.

5. Juega con la dirección

La dirección es similar al flujo. También crea la ilusión de movimiento. Si hay algo en la fotografía que parezca estar en movimiento, tiene una dirección en la que se mueve.

Un ejemplo de esto son las luces de peatones de un semáforo. Cuando está en rojo para los peatones, la figura representa un peatón inmóvil, con las piernas juntas y los brazos bajados. Visualmente, no tiene ninguna apariencia de estar en movimiento. Sin embargo, la figura del peatón en verde que permite cruzar tiene una dirección en la cual se está moviendo. La dirección en fotografía se puede cerar de muchas maneras. Una figura a punto de cruzar una calle puede transmitir movimiento aunque la veamos estática y no se muevan sus brazos y sus pies, porque podemos imaginarla un segundo después cruzando la calle. Del mismo modo, un coche que aparece cortado en el lado izquierdo de una fotografía en la que solo se ve su parte delantera, podemos imaginarlo un segundo después al lado derecho de la foto.

6. Los elementos repetidos

La repetición de algún elemento (unos globos, unos pájaros), dan un sentido de relación de distintas partes de una imagen.

Por ejemplo, una bandada de pájaros pueden estar moviendose en grupo por el aire, definiendo formas interesantes en el cielo y añadiendo información sobre la dirección de la fotografía.

En algunas ocasiones puede aportar factores psicológicos, como el sentido de la unión y el compañerismo.

7. Los colores siempre dicen algo

Existen dos tipos de colores, los cálidos y los fríos.

Los rojos, naranjas y amarillos forman parte de la gama de colores cálidos.

Los azules, verdes y violetas forman parte de la banda de colores fríos.

Existen muchos elementos psicológicos ligados a los colores. Por poner un ejemplo, los azules se consideran colores tranquilos, mientras que lo rojos son más temperamentales. Existe mucha literatura al respecto de la psicología del color, por lo simplemente resumiremos que el color tiene una importancia determinante en la composición.

En materia de colores hay que prestar atención también al contraste. El contraste se define como la diferencia de luminosidad entre las partes más claras y más oscuras de nuesta foto.

8. El interés de los grupos de tres

Parece existir una percepción especial de los números impares en fotografía, y en especial de los grupos de tres elementos.

Un único elemento puede transmitir soledad o aislamiento, con dos elementos una foto puede quedar demasiado bien equilibrada y estática, y cuatro elementos pueden resultar demasiados para distribuir.

Por algún motivo que no se explicar, a las personas nos gusta el número 3. En fotografía suele funcionar la agrupación de tres elementos como centro de interés.

9. La regla de los tercios

Ya escribimos un artículo que explicaba la regla de los tercios con más detalle. Si nos fijamos en obras de arte en cualquier museo, podremos comprobar que si dividimos un cuadro en cuadrículas de igual tamaño de 3×3, las cuatro intersecciones de las cuadrículas dentro del cuadro marcan los puntos de interés.

Trazando esta cuadrícula imaginaria sobre la mayoría de las obras nos daremos cuenta de que elementos fundamentales del cuadro recaen sobre esas intersecciones: ventanas y puertas, ojos, líneas de horizonte, picos de montañas, … Está comprobado que llevando nuestro punto de interés a uno de esos cuatro puntos conseguimos una imagen mucho más interesante.

En este sentido, reseñar que existen cámaras que permiten visualizar en su LCD una rejilla (grid en inglés) para trabajar con los tercios, por lo que os animo a que reviseis el manual de vuestra cámara si considerais que os puede ayudar a la hora de mejorar la composición.

10. El espacio negativo

Se considera espacio negativo losgrandes espacios vacíos, normalmente en blanco o negro, dentro de una fotografía, normalmente a un lado.

El alejamiento del elemento central de la imagen, rellenando el resto de la foto de un espacio vacío nos permite transmitir una información adicional de soledad, aislamiento o calma a la imagen.

Aunque no es un recurso que vayamos a utilizar habitualmente, no está de más conocerlo. Está enfrentada a la regla de composición consistente en rellenar el encuadre comentada más arriba en este mismo artículo.

11. Trabajando las tres dimensiones: frente y fondo

El contenido del frente y del fondo de una foto es importante. Tanto en el fondo como en el frente tienen aplicación otros elementos compositivos como los colores o las líneas.

Lo importante en el frente y en el fondo es que no haya demasiados detalles que puedan distraer la vista del espectador del centro de interés.

La mejor herramienta con la que contamos para marcar la diferencia entre el frente y el fondo de nuestras fotos es la profundidad de campo. Gracias a la apertura del diafragma que utilicemos a la hora de hacer fotografías, conseguiremos mayor o menor nitidez en el fondo.

12. El enmarcado natural

Existen elementos que pueden ayudar a poner un marco al centro de interés de la foto.

Algunos de estos elementos son muy claros, tapando completamente parte de la foto, como puertas, ventanas o puentes.

Otros actúan de una forma menos clara, simplemente orientando nuestra vista. Es el caso de las señales de tráfico o las ramas de los árboles, …

Cualquier elemento que “encierre” el centro de interés nos permitirá enmarcar la foto, dirigiendo la atención hacia el elemento deseado.

13. Las curvas en S

Las curvas en “S” son un elemento muy recurrente en fotografía. Está relacionado con la sensualidad. También transmiten moviento y ayudan a conducir la mirada.

En la vida cotidiana encontramos muchos recursos que nos permiten aplicar curvas en “S” en nuestras fotografías. Una carretera, un camino, el curso de un río, … Son elementos visuales muy potentes que dan interés a la fotografía.

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El encuadre

RicardoCaballero — Wed, 04 Jan 2017 05:11:05 +0000

El encuadre es la porción de escena que nosotros como fotógrafos decidimos va a entrar en una fotografía. Como observadores percibimos con nuestros ojos una escena en su totalidad, pero como fotógrafos debemos seleccionar el área que vamos a capturar y de acuerdo al tipo de escena y al tipo de mensaje que se desea transmitir podemos encontrarnos diferentes vías para realizar el encuadre.

Aunque la clasificación tiende a variar de un autor a otro, se pueden distinguir los tres principales tipos de encuadres como podemos leer a continuación:

Encuadre horizontal: Es el más común y el más empleado de todos. Quizás por ser el que resulta de tomar la cámara y observando por el visor o por la pantalla es lo que nos resulta más natural y sencillo. Pero el que sea común y sencillo no significa que sea mejor o peor, dependiendo de la situación nos resultará más útil este u otro tipo de encuadre. El encuadre horizontal tiene la ventaja de ser muy cómodo al momento de componer una fotografía, ya sea empleando la **regla de los tercios*+ o el espacio negativo por ejemplo. Este tipo de encuadre sugiere quietud, tranquilidad y suele utilizarse normalmente para paisajes y para retratos de grupo, aunque también es bastante popular en retratos de publicidad donde aplicando el concepto de espacio negativo, se coloca al modelo en un extremo y en el extremo contrario se añade el producto o algún texto.

El encuadre vertical: No es tan popular como el anterior, pero no deja de ser una excelente alternativa. Igualmente, al tener que girar la cámara dejando el disparador de un lado, nos puede resultar un tanto diferente, pero experimentar con este tipo de encuadre nos puede proporcionar grandes resultados.

Sugiere fuerza y firmeza, y es por excelencia el más apropiado para los retratos, básicamente por el hecho que las personas son más altas que anchas. También se le emplea mucho en publicidad, revistas y moda en general.

El encuadre inclinado u holandes: Hay quienes consideran este no es propiamente una forma de encuadre, ya que las fotografías se presentaran de manera horizontal o vertical, sin embargo este enfoque se obtiene inclinando la cámara y justamente a esa posición es a lo que generalmente denominamos “encuadrar”. Obviamente es mucho menos popular que los anteriores pero como alternativa ocasional puede realzar el mensaje que se intenta transmitir, ya que en sí mismo transmite dinamismo y fuerza. Se emplea bastante en casos de deportes extremos o en escenas donde hay sensación de movimiento y acción.

Seleccionar un tipo de encuadre u otro puede ser una decisión bastante difícil a la hora de realizar una fotografía y no existen reglas estrictas que nos indiquen cuando emplearlos, por eso siempre el mejor consejo es experimentar bastante y observar los resultados, y en muchos casos compartir esos resultados y consultar su opinión nos ayudará a entender que es lo que resulta más atractivo a los ojos de los espectadores.

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Balance de blancos

RicardoCaballero — Wed, 04 Jan 2017 05:09:49 +0000

En fotografía y procesado de imágenes electrónicas, el “balance de blancos”, “equilibrio de color” o “equilibrio de blancos” es un ajuste realizado por software que consigue una reproducción de color correcta sin mostrar dominantes de color, que son especialmente notables en los tonos neutros (el blanco y los distintos tonos de gris), con independencia del tipo de luz que ilumina la escena. Se puede realizar de forma continua, automática o manual.

La mayoría de las cámaras digitales trae incorporado al menos un sistema de balance de blancos automático. Éste lo que hace es ajustar la parte más brillante de la escena para que aparezca como color blanco, y la menos brillante como negro.

Algunas cámaras digitales disponen de opciones más avanzadas que el ajuste automático, pero no completamente manuales, dando así algunas opciones además del automático:

Interiores o tungsteno: Se ajusta el balance de blancos asumiendo que se encuentra en un espacio iluminado por luz incandescente o halógena (iluminación típica del hogar: Bombilla.

Sol: Se ajusta asumiendo que se encuentra en un espacio exterior con un tiempo soleado o nublado de gran luminosidad.

Sombra: Se ajusta asumiendo que se encuentra en un espacio exterior en condiciones de sombra o de cielo muy cubierto.

Fluorescente: Se ajusta asumiendo que se encuentra en un espacio iluminado por luz fluorescente y tugsteno.

Estas opciones son mejores que el uso automático, pero todavía tendremos problemas con los términos medios, durante el amanecer o el atardecer, en que la luz del sol debe atravesar una mayor longitud en las capas de la atmósfera que envuelven la tierra. Esto modifica la coloración de la luz, la cual pocas veces notamos ya que nos es demasiado cotidiano.

El ajuste manual del balance de blancos en las cámaras digitales actuales se ha simplificado notablemente y basta con enfocar la cámara hacia una hoja de papel u objeto blanco y pulsar el botón de calibración de blancos. De este modo, la ganancia de las tres componentes de color se ajusta automáticamente para que den el mismo nivel de señal bajo estas condiciones de iluminación. De esta forma, los colores obtenidos en nuestra imagen se acercaran lo máximo posible a los colores reales de la escena fotografiada.

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Relación, Diafragma e ISO

RicardoCaballero — Wed, 04 Jan 2017 05:08:07 +0000

Para toda foto tenemos 3 parámetros para ajustar la luz que entra: ISO, velocidad de obturación, Diafragma. Con estos siempre encontraremos al menos 6 variantes en las que el fotómetro te diga que la exposición es correcta, y todas serán fotos válidas. ¿Basta entonces con poner cualquiera de esas y listo?¿es lo mismo una exposición de 1/1000s a f/2.8 que una 1/60s y f/11? Para que la foto salga bien expuesta es lo mismo una que otra, pero las fotos que lograremos son muy distintas y dependerá de nuestra intención cual es la que debemos utilizar.

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El ISO (Sensibilidad)

RicardoCaballero — Wed, 04 Jan 2017 05:06:15 +0000

El ajuste Velocidad ISO controla la sensibilidad de la cámara a la luz. El ajuste Automático es el que mejor funciona.

on velocidades ISO inferiores, se capturarán imágenes de mejor calidad con la mínima cantidad de ruido o grano. Si se toma una imagen en condiciones de baja iluminación sin un flash en ISO 100, debería usar trípode.

Las velocidades ISO elevadas permiten velocidades de obturador superiores, por lo que pueden utilizarse cuando se tomen imágenes en zonas oscuras sin flash, o cuando se tomen imágenes de objetos que se muevan a gran velocidad y desee detener la acción. Con velocidades ISO mayores, el resultado son imágenes con más grano, y por tanto, de menor calidad.

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